Proyecto internacional e itinerante de encuentro en torno a la práctica. Trabajo de intercambio y exploración de la metodología de creación colaborativa. En Chile se tratará el cuerpo como eje transformador del territorio: Migración. (Chile: CCE Santiago-Primera fase /La Vitrina-segunda fase).

Proponemos un viaje constante de movimiento y reflexión, un dislocamiento de sur a norte. Una plataforma que nos invita a aproximarse a los contextos políticos, sociales, económicos y artísticos de cada lugar, reconociendo los lugares desde las maneras de hacer y sus artistas.

Se realizarán cinco paradas en donde se encontrarán artistas nacionales y extranjeros: Montevideo/Uruguay , Santiago/Chile, Sao Paulo/Brasil, Lyon/Francia y Munique/Alemania. En cada ciudad se experimentarán procesos artísticos colaborativos. Desde diferentes lenguajes se indagará en la relación con nuestro entorno, arquitectura, territorio, urbanismo, códigos sociales y cómo repercuten en nuestro cuerpo y movimiento. Una búsqueda constante de reconocernos, a pesar de las distancias y diferencias. El viaje como un nuevo modo creación, donde converjan ideas, y nos ayude a movilizar nuestras propias percepciones y acciones.

Equipo de gestión 2018: Mario Lopes, Maelys Meyer, Thais Ushirobira, Marcela Olate.

Versión Chile 2018

Los encuentros 2018 tendrán como tema transversal “Normas sociales y cuerpos extraños”, en cada país se tratará un subtema.

En Chile el subtema será: Encuentro en torno a la práctica. El cuerpo como eje transformador del territorio (migración). Se abre la reflexión en torno a ¿Cuáles son los límites? ¿Adentro, afuera, entre? ¿Anormalidad‐normalidad? ¿Convencional‐no convencional? ¿Espacio‐intervención? ¿Dominante‐no dominante? ¿Lo no oficial? ¿Reapropiación?

La residencia en Chile tendrá como eje principal el diálogo y la práctica. Durante la primera semana los artistas podrán compartir sus maneras de hacer y dispositivos de creación, un primer acercamiento a encontrar una metodología en común para el comienzo de este proceso creativo colaborativo.

Para la segunda semana realizaremos una convocatoria para 5 artistas locales, quienes podrán participar/ intervenir en las sesiones, teniendo como objetivo pulsar, dislocar, movilizar, provocar al grupo nuclear, en torno al hacer local y sus procedimientos y dispositivos creativos.

Artistas seleccionados por curatoria Vehículo Sur

Fafi Prado /Brasil

Ciudad de Lorena (SP) en 1970. Artista y trabaja en arte educativo en la ciudad de São Paulo desde 1992. Graduada en Danza por la Escuela Klauss Vianna; De la Universidad de São Paulo . A lo largo de los años, integra diversos grupos de Teatro y Danza antes de iniciar en la Performance Art y migrar a la calle en 2005, cuando inició el proyecto Matilla dedicada a acciones relacionales en espacios compartidos. Desde entonces, investiga las in (ter) venciones del cuerpo‐espacio en la calle y sus desdoblamientos poéticos. Las acciones consisten en proponer situaciones que disparen relaciones potenciales teniendo la diversidad como núcleo de la vivencia. El público es invitado a participar sumando testimonios personales y estados afectivos a las propuestas. Entre las cuestiones investigadas por ella están, el acontecimiento y la efemeridad en el gesto artístico. El encuentro entre los participantes en el flujo cotidiano genera un proceso dinámico y abierto, que parte por la incorporación de nuevos sentidos en la medida en que las diversas poéticas son pulsadas por la situación. Las acciones buscan también suscitar distintas percepciones, interviniendo en espacialidades y temporalidades de lo cotidiano y potenciando el contexto urbano como territorio de intercambios artísticos y culturales. Los procedimientos se anclan en el intercambio de saberes entre distintos actores sociales. El gesto artístico que se avecina a las prácticas cotidianas y el abordaje directo a los pasantes apunta a una cierta desconstrucción de normas de los lenguajes artísticos y tejen modos de operar que se reinventan en las singularidades y en el proceso dialógico. A partir del supuesto de la intersección arte / vida, reo en prácticas ligadas a la idea de que todo individuo puede transformar el medio en que vive, por el ejercicio creativo y por el diálogo con la experiencia estética. Como artista/educadora sigue haciendo provocaciones a los repertorios en Arte / educación ya los contextos donde los mismos puedan ser expandidos y debatidos. Durante cinco años actuó en el Programa de Iniciación Artística (PIA), de la Secretaría Municipal de Cultura de São Paulo, como coordinadora de equipo, formación e investigación. Tanto en el Arte como en la Educación (y de modo indisociable) prefiere asumir el papel de propositora o el de agente de intercambios, siempre cuestionando el lugar del artista en la sociedad ‐ su función, actualidad y urgencia.

Daniela Álvarez /Chile

Coreógrafa, intérprete y Feldenkrais® practitioner Acreditada. Formada en la carrera de Danza de la Universidad Academia de Humanismo Cristiano en Chile. Migra a Francia en el 2003, continúa su formación de manera independiente en workshops con diferentes coreógrafos (Benoît Lachambre, Martin Kravitz, Rita Quaglia) y como intérprete para Robyn Orlin, Pé Veermeersh, Natacha Kantor, entre otros. Licenciada en Artes del Espectáculo Mención Danza en la Universidad París 8 (2007/10). Su trabajo coreográfico apunta a la democratización de los espacios de creación y difusión de la danza contemporánea. Crea Puro Lomas… de corazón (2009) con jóvenes de la periferia de Lima en Perú, Kissê/Noyau (2013) Intervención coreográfica con niños Centro Cultural Marcel Paul en la ciudad de Sevran (periferia de París). Co‐ creadora

del Laboratorio en Vitrina El Revés de tu Sexo, Proyecto de Arte y Género (2013) en colaboración con el Colectivo LoQueMePlace y los jóvenes de la Escuela de Iniciación Artística de Instituto Nacional de Bellas Artes de México en la ciudad de México D.F.

bisTEKoNaGReGaO…una canción de amor para el mundo, Solo performático (2010) con el que desde entonces enviste diferentes espacios públicos, festivales y teatros, en diferentes ciudades París, México D.F, Tijuana, Lima, Córdoba, Valparaíso y Santiago de Chile. Profesora certificada de Método Feldenkrais, acreditada en Barcelona, España (2015).

Desde el 2014 explorar la vinculación del M. Feldenkrias con temas de diversidad social y cultural, para favorecer una educación inclusiva en el arte. Radicada desde el 2016 en Chile, sigue diversificando las colaboraciones artísticas y vinculaciones entre el Método Feldenkrais y las artes escénicas.

Anta Helena Recke/

Alemania Anta Helena Recke, nacida en Múnich, trabajó en el Teatro GRIPS de Berlín en el campo de la educación teatral antes de comenzar a estudiar artes escénicas en la Universidad de Hildesheim en 2011. En el proceso, desarrolló varios trabajos transdisciplinarios y proyectos curativos de música, por ejemplo, ser parte de la co‐dirección artística del festival Transeuropa 2015. Como intérprete y asistente en la escena independiente en, entre otros con Gintersdorfer / Klassen y Ana Borralho y João Galante. En la temporada 2015/16 y 2016/17, trabajó como asistente de dirección en el Münchner Kammerspiele, donde trabajó con Susanne Kennedy, Philippe Quesne, Nicolas Stemann y Amir Reza Koohestani. Además, ella creó las lecturas de Frederik Müller «The Biggest Bouquet of the World». Ha trabajado en  arias producciones como productora de teatro, tiene una intensiva relación de trabajo con la intérprete Julia Meding y en intervalos irregulares con el Ballet de Schwabinggrad. Su trabajo, de arte conceptual en la forma de performances teatrales, trata de la marcación y no repetición de la normatividad y el objetivo de construir nuevos espacios de experiencia para el público. Su última producción «Lovepiece», un estudio performativo sobre la unión para dos personas y una estructura metálica, que ella desarrolló en el Treibstoff‐Theatertage en el Junges Theatre Basel, con funciones en el Festival AUAWIRLEBEN en Berna, el Ballhaus Ost y el » Münchner Kammerspiele . En 2017, ella recibe la beca de estudios de teatro de la ciudad de Múnich.

Lola Asand/Francia

Lola Asand nació en 1986 en la ciudad de Nantes (Francia). Artista plural, ella navega entre instalaciones, escultura, performance y escenografía, tomándose de lugares efímeros de creaciones. A los 16 años, ella se escapa de su escuela y se encuentra con un artista que enseña en la escuela vecina. Tomándola bajo su ala, este nuevo profesor le da sus primeros deseos de creación. Sus trabajos son testimonio de un interés particular por la representación animal. En aquella época ella empieza a relacionarse a organizaciones autogestionadas ligadas con problemas sobre ecología y conflictos sociales.

Entra a una Escuela Superior de Arte de Bourges para seguir el curso de Nathalie Magnan sobre los « gender studies » y de los impactos de Internet sobre la sociedad. Aquí ella se encuentra con temáticas que van a marcar profundamente su universo : Paul Preciado, el dueto Art Orienté Objet, Nadège Piton, Erik Noulette y toda la equipo del espacio artístico el

Antre Peaux en Bourges con las associaciónes Emmetrop y Bandits Mages. Desde entonces ella se participa en diferentes proyectos colectivos como aquéllos de Los bodegas de Bourges/Les caves de Bourges y las creaciones sonoras atípicas y en los trabajos del colectivo Points de Suspension que pregunta sobre la manera de habitar un espacio de creación.

En paralelo ella sigue profundizando su investigación personal, fruto de un trabajo de campo que cuestiona la condición humana « human and no human ».

Ella vive y trabaja entre Bourges, Paris y Bruxelles.